unosolo

vanessa billy_exhibition views_photo lilian istrati

2011-11-23T08:47:00.000-08:00

vanessa billy_looking for the pool_press release

2011-10-27T10:22:00.000-07:00

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giovedì 17 novembre 2011 ore 19

unosolo project room

presenta la mostra

Looking for the pool

Vanessa Billy

A proposito di Wait, weight, l’opera site specific che sarà realizzata in situ: il lavoro è composto da uno strato di cemento pressato tra una lastra di vetro ed una patina di vaselina e conserva in maniera evidente la traccia del processo che ha portato alla sua realizzazione. Il titolo Wait, weight descrive due aspetti fondamentali dell’opera: il tempo e la forza di gravità. Il cemento una volta steso a terra si rapprende piuttosto velocemente ma l’umidità necessita di più tempo per evaporare a causa della scarsa circolazione di aria dovuta alla lastra di vetro.

L’effetto ricorda quello provocato da un respiro sul vetro, una nube di piccole gocce d’acqua. Immagino che per asciugarsi completamente sarà necessaria tutta la durata della mostra. Wait, weight costituisce letteralmente il terreno sui cui è costruita la mostra e si relaziona con gli altri lavori presenti su più livelli.

Vanessa Billy (1978, Ginevra, CH) ha studiato presso il Chelsea College of Art di Londra e vive e lavora tra Londra e Zurigo. Tra le recenti mostre personali Three times a day, Kunsthaus Baselland, Muttenz, CH, (2011), Natural means something like vegetables, Christina Wilson Gallery, Copenhagen, DK (2011), Who Shapes What, Limoncello, Londra, UK (2010), stream river lake river stream, BolteLang, Zurigo, CH (2009). Tra le mostre collettive ricordiamo: Young London, V22, Londra, UK (2011), What sticks, BolteLang, Zurigo, CH (2010), Frieze Sculpture Park, curata da David Thorp, Frieze Art Fair, Londra, UK (2009), Boule to Braid, curata da Richard Wentworth, Lisson Gallery, Londra, UK (2009), I giovani che visitano le nostre rovine non vi vedono che uno stile, curata da Form/Content, GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e  Contemporanea di Torino, Torino, I (2009), Zweckgemeinschaft, curata da Art At Work, MICAMOCA, Berlino, D (2009).

La mostra proseguirà fino a sabato 14 gennaio 2012.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milano

MM cordusio

orari di apertura:

martedì – venerdì dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)

per ulteriori informazioni:

paola.caravati@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

Thursday, November 17, 2011 at 7pm

unosolo project room

is pleased to present the exhibition

Looking for the pool

Vanessa Billy

A few words on Wait, weight a piece that will be realised on site. Made of concrete pressed between a sheet of glass and a layer of vaseline, it will retain a strong sense of how it came to be, of the process it went through. The title encapsulates 2 fundamental aspects of the piece: the time element and the use of gravity. Concrete sets quite quickly but humidity will take longer to evaporate as there is little circulation of air between the layers. As a result it will recall an effect similar to a breath on glass, droplets forming a cloud. I imagine it will take approximately the length of the exhibition to dry out.

Wait, Weight, literally grounds the show and relates to the other works on more than one level.

Vanessa Billy (1978, Geneva, CH) studied at Chelsea College of Art of London and lives and works in London and Zurich. Recent solo shows include Three times a day, Kunsthaus Baselland, Muttenz, CH, (2011), Natural means something like vegetables, Christina Wilson Gallery, Copenhagen, DK (2011), Who Shapes What, Limoncello, London, UK (2010), stream river lake river stream, BolteLang, Zurich, CH (2009). Group shows include Young London, V22, London UK (2011), What sticks, BolteLang, Zurich CH (2010), Frieze Sculpture Park, curated by David Thorp, Frieze Art Fair, London, UK (2009), Boule to Braid, curated by da Richard Wentworth, Lisson Gallery, London, UK (2009), Young people visit our ruins and see nothing but style, curated by Form/Content, GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e  Contemporanea di Torino, Turin, I (2009), Zweckgemeinschaft, curated by Art At Work, MICAMOCA, Berlin, D (2009).

The exhibition will be on view until Saturday, January 14, 2012.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milan, italy

MM cordusio

opening hours:

tuesday – friday from 3pm to 7pm (or by appointment)
for further information:

paola.caravati@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

vanessa billy_looking for the pool_email invite

2011-10-21T09:47:00.000-07:00

andrea magaraggia_exhibition views_ photos by lilian istrati

2011-09-26T05:25:00.000-07:00

andrea magaraggia_ciò che resta_press release

2011-08-30T01:54:00.000-07:00

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mercoledì 14 settembre 2011 ore 19

unosolo project room

presenta la mostra

Ciò che resta

Andrea Magaraggia

(…) e dunque il tuo lavoro mi appare così, un mettere a nudo.

La ricerca del momento preciso in cui l'opera si palesa, in cui non c'è altro passo possibile, perché essa è già lì, svelata, ridotta all'osso. Ciò che resta oltre l’accessorio, il mutevole, il temporaneo è l’opera che si dà come scheletro, nella sua struttura, nel suo grado minimo, solido, rimasto.

In effetti penso spesso al processo di realizzazione di un lavoro come ad un’accelerazione temporale. L’oggetto subisce un procedimento d’irriducibile semplificazione, una sintesi verso il suo potenziale più basico. Ciò che resta presuppone l’idea di un appena prima e di un subito dopo, si tratta di scivolare lungo una linea temporale senza la pretesa di confrontarsi con l’eternità o con l’effimero.

E’ semplicemente aver a che fare con delle cose, appunto, rimaste.

Ciò che resta è anche il frammento, qualcosa che si percepisce come mancante, perdita d'altro, di una matrice, di un corpo. E' l'abbandonato, la parte rimasta che conquista presto una sua autonomia formale. In questo senso Ciò che resta, resta solo un attimo, l’attimo in cui il residuo smette d’essere tale per diventare già opera, già forma compiuta.

E’ semplicemente come dici tu: un corpo. Qualcosa che è stato all’interno della vita, del tempo e per un attimo (o da sempre) si trova qui. Ora. La sua magia sta nel fatto d’essere presente. Ciò che resta allude a qualcosa che ha raggiunto una fissità formale definita, ma che al tempo stesso, innesca un processo immaginativo. L’opera oscilla tra l’ambiguità del materiale amorfo e un’immagine formale chiara e definita.

Ciò che resta è ancora l’incombenza della morte nel tuo lavoro o la beffa della vita.

Un memento mori forse. Alcune opere sembrano sacrificare una parte di sé per continuare ad essere o per essere finalmente, un processo brutale di cui il lavoro porta il segno. Penso a quelle opere che appaiono parzialmente erose, combuste, la cui materia trasformata si rivela lentamente.

In questi lavori ad interessarmi è l’impossibilità di comunicare tutto e subito. Guardando l’opera non è possibile averne un’impressione univoca, definita; è necessario vederla complessivamente nei suoi scarti, nei suoi ritardi e nei suoi eccessi.

Ci sono parti in attesa di acquisire una forma specifica, che poeticamente devono ancora avvenire, così come ce ne sono altre non ancora riconoscibili, nella scultura agiscono momenti diversi alcuni passati, decaduti ed altri appena germinati, sospesi.

La mostra proseguirà fino a sabato 22 ottobre 2011.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milano

MM cordusio

orari di apertura:

15 - 18 settembre dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)

dal 20 settembre: martedì – venerdì dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)

per ulteriori informazioni:

unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

Wednesday, September 14, 2011 at 7pm

unosolo project room

is pleased to present the exhibition

Ciò che resta

Andrea Magaraggia

(…) and hence your work appears to me like this, a getting undressed.

The search for that precise moment when the work reveals itself, in which no other move is possible, because it is already there, disclosed, stripped down to the bone.

Ciò che resta (What Remains), apart from the accessory, the changeable, the temporary, is the work which is given as a skeleton, in its structure, in its minimal degree, solid, left.

Actually I often think of a works realization-process as of acceleration time. The object is undergoing a procedure of irreducible simplification, a synthesis towards its most basic potential. Ciò che resta, presumes the idea of a just before and an immediately after, it is about sliding along a timeline without claiming to confront eternity or the ephemeral. It is simply about dealing with things, in fact, remained.

Ciò che resta, is also the fragment, something that is perceived as lacking, another loss, of a matrix, of a body. It is the abandoned, the remaining part which soon conquers its own formal autonomy. In this sense, Ciò che resta, only remains for a moment; the moment in which the residual ceases to be that in order to already become a work, already a complete form.

It is exactly as you say: a body. Something which has been inside of life, of time and for a moment (or for ever) is here. Now. Its magic is in the fact of being present. Ciò che resta hints at something which has reached a defined formal fixity, but which at the same time, triggers a process of imagination. The work swings between the ambiguity of amorphous material and a clear and defined formal image.

Ciò che resta is still the rush of death in your work or the hoax of life. Perhaps a memento mori. Some works seem to be sacrificing a part of themselves in order to be able to continue or to finally become, a brutal process of which the work is marked. I’m thinking of those works which appear partially eroded, burned, whose transformed material is slowly revealed.

What interests me with these works is the impossibility of communicating it all and immediately. Looking at the work it is not possible to have an unanmbiguous and defined impression; it is necessary to view it as a whole in its waste, in its delays and in its excesses. There are parts awaiting to acquire a specific form, which poetically have yet to occur, just as there are others not yet recognizable. Different moments act within the sculpture; some have already passed, fallen, and others newly germinated, suspended.

The exhibition will be on view until Saturday, October 22, 2011.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milan, italy

MM cordusio

opening hours:

September 15 – September 18 from 3pm to 7pm (or by appointment)
from September 20: tuesday – friday from 3pm to 7pm (or by appointment)
for further information:

unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

giulio delvè_exhibition views_photos by lilian istrati

2011-07-11T04:12:00.000-07:00

giulio delvè_objects in mirror are closer than they appear_press release

2011-06-23T09:00:00.000-07:00

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mercoledì 29 Giugno 2011 ore 18

unosolo project room

presenta la mostra

Objects in Mirror are Closer than they Appear

Giulio Delvè

unosolo è lieta di annunciare ‘objects in mirror are closer than they appear’, un progetto site-specific di Giulio Delvè.

La mostra è costruita attorno all’osservazione di un fatto ricorrente, spesso abitudinario, un rito quotidiano di cui l'artista stesso è spettatore. Un processo, quello dell’osservare che Giulio Delvè intraprende per decodificare un linguaggio, un'attesa che serve a metabolizzare elementi per diventare successivamente azione. L’artista e la sua pratica risultano essere così degli strumenti utili a comprendere una realtà circostante che diviene oggetto, materia, argomento.

Le azioni di Delvè che ne derivano sono immediate, spontanee e attraverso l’intrinseca funzione narrativa delle cose e la loro possibilità di raccontare, riflettono su quello che può succedere quando l’atto artistico sfiora ciò che ci sta attorno.

Analizzando le dinamiche, le tracce, gli interventi - soprattutto collettivi - che lo circondano, Delvè se ne appropria (spesso furtivamente) e li traduce in oggetto artistico, quali testimonianze del nostro contemporaneo, reperti del nostro vissuto, della nostra epoca storica.

L’intervento di Giulio Delvè va così ad indagare fenomeni spesso al limite della legalità; attraverso l’azione performativa riflette sul significato di appropriazione, sulla relazione tra pubblico e privato, collettivo ed individuale.

Giulio Delvè (1984, Napoli) vive e lavora tra Napoli e Berlino. Ha studiato alla Weißensee Kunsthochschule di Berlino e all’ Accademia di Belle Arti di Napoli. Tra le principali mostre personali: 2011, Villa del vecchio, Gum, Carrara. 2008, Four Rooms, curate da Gigiotto Del Vecchio e Stefania Palumbo, Project Room Museo Madre, Napoli. Tra le principali mostre collettive: 2011 Based in Berlin, curata da Angelique Campens, Fredi Fischli, Magdalena Magiera, Jakob Schillinger, Scott Cameron Weaver, Atelierhau Monbijoupark, Berlino. Italiens, junge Kunst in der Botschaft, curata da Alessandra Pace e Marina Sorbello, Ambasciata Italiana, Berlino. Ariane de Rotschild Prize, curata da Laura Barreca e Marcello Smarrelli, selezionato da Vincenzo de Bellis, Palazzo Reale, Milano. Bedtime stories Badtime stories, Supportico Lopez, Berlino

La mostra proseguirà fino a sabato 30 luglio 2011.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milano

orari di apertura: martedì – venerdì dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)

per ulteriori informazioni:

unosolo@unosunove.com

www.unosolo-projectroom.blogspot.com

wednesday, june 29, 2011 at 6pm

unosolo project room

is pleased to announce the exhibition

Objects in Mirror are Closer than they Appear

Giulio Delvè

unosolo is pleased to announce Objects in the Mirror are Closer than thy Appear, a site-specific project by Giulio Delvè.

The exhibition is constructed around the observation of a fact, often routinely, a daily ritual of which the artist himself is a spectator. A process, that of observing which Giulio Delvè employs in order to decode a language, an awaiting which serves to metabolize elements later to become action. The artist and his practice thus become useful tools for understanding a surrounding reality, which becomes an object, material, theme.

Delvè’s deriving actions are immediate, spontaneous and through the intrinsic narrative function of the things and their possibility to tell, they reflect on that which might occur when the artists’ act touches our surroundings.

Analyzing the dynamics, the traces, the interventions – mostly collective – that surrounds us, Delvè appropriates himself (often furtively) and translates them into an art object, testimonies of our contemporariness, findings of our living, of our historical epoch.

Giulio Delvè’s intervention in this way investigates phenomena often on the edge of the law; through performative action reflecting on the meaning of appropriation, on the relation between public and private, collective and individual.

Giulio Delvè (1984, Napoli) live and works in Naples and Berlin. He studied at the Weißensee Kunsthochschule in Berlin and at the Academy of Fine Arts in Naples. Recent solo shows include: 2011, Villa del vecchio, Gum, Carrara. 2008, Four Rooms, curated by Gigiotto Del Vecchio and Stefania Palumbo, Project Room Museo Madre, Naples. Recent group shows: 2011 Based in Berlin, curated by Angelique Campens, Fredi Fischli, Magdalena Magiera, Jakob Schillinger, Scott Cameron Weaver, Atelierhau Monbijoupark, Berlin. Italiens, junge Kunst in der Botschaft, curated by Alessandra Pace e Marina Sorbello, Italian Embassy, Berlin. Ariane de Rotschild Prize, curated by Laura Barreca and Marcello Smarrelli, selected by Vincenzo de Bellis, Palazzo Reale, Milan. Bedtime stories Badtime stories, Supportico Lopez, Berlin.

The exhibition will be on view until Saturday, July 30, 2011.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milan, italy
opening hours: tuesday – friday from 3pm to 7pm (or by appointment)
for further information:
unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

giulio delvè_objects in mirror are closer than they appear_email invitation

2011-06-23T08:48:00.000-07:00

marysia gacek_my name is wendy_installation views_photos by lilian istrati

2011-05-17T06:45:00.000-07:00

marysia gacek_my name is wendy_email invitation

2011-05-03T08:14:00.001-07:00

marysia gacek_my name is wendy_press release

2011-05-03T08:01:00.000-07:00

mercoledì 11 maggio 2011 ore 18

unosolo project room

presenta la mostra

my name is wendy

marysia gacek

unosolo è lieta di annunciare My Name is Wendy, la prima mostra personale in Italia dell’artista polacca Marysia Gacek. Partendo da un’immagine, un particolare ricordo o oggetto Marysia Gacek crea strutture e narrazioni sottilmente connesse tra loro attraverso un personale simbolismo e differenti modalità di rappresentazione. Pittura, oggetti domestici e informazioni recuperate su Internet si combinano per dare vita ad un racconto in forma visiva, in un accostamento spesso di lettura enigmatica ma che fornisce sempre lo spiraglio per una comprensione più ampia.

Riferimenti a pittura, folk art e cinema dialogano con allusioni al fitness, alla decorazione d’interni e all’artigianato, creando invisibili linee tra forme, riferimenti culturali e ricordi. I materiali utilizzati appartengono alla vita personale dell’artista e alla realtà che la circonda: i panorami di Marysia Gacek sono popolati da montagne polacche, dall’America di periferia, dalla TV e dale riviste d’arte. Oggetti e immagini appartenenti a tempi e luoghi differenti si intrecciano per svelare una nuova storia, spesso intessuta nei materiali stessi: l’uso della terracotta per alludere alle peculiarità della carne, o del cotone per suggerire morbidezza e comodità.

Marysia Gacek (1986, Nowy Targ, Polonia) ha studiato presso la School of Visual Arts, New York. Tra le recenti mostre personali: This attitude does not necessarily open them to criticism, especially when they contributed to the preservation of well-being (con Natalie Häusler), PS122 Gallery, New York (2010); Certain Rhymes, Vagabond Schmarotzer Gallery, New York (2010). Una selezione di mostre collettive include Closed for installation, 303 Gallery staff group show: Past and Present, 303 Gallery, New York (2010); Give me a minute, The Shirey, Brooklyn, New York (2010). Lavori video dell’artista sono stati presentati al II Tranzyt International Documentary Festival, Poznan, Poland (2010) e in occasione di Zbylut Grzywacz (1939-2004), City Art Gallery, Lodz; National Museum of Krakow, Poland (2010). Marysia Gacek vive e lavora a New York.

La mostra proseguirà fino a sabato 11 giugno 2011.

Con il patrocinio del Consolato Generale della Repubblica di Polonia in Milano

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milano
orari di apertura: martedì – venerdì dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)
per ulteriori informazioni:
unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

wednesday, may 11, 2011 6pm

unosolo project room

is pleased to announce the exhibition

my name is wendy

marysia gacek

unosolo is pleased to announce My Name is Wendy, the first solo exhibition in Italy by Polish artist Marysia Gacek. By starting with an image, a specific memory, or an object, Marysia Gacek creates structures and narratives with loose connections using personal symbolism and different modes of representation. Painting, domestic objects and Internet information blend together as a visual form of storytelling: although the assembled objects may read as enigmatic, the unusual combination always offers a portal that could lead to a wider understanding.

References to painting, folk art and film dialogue with allusions to fitness, interior decoration and crafts, creating invisible lines between forms, cultural references and memories. The used materials belong to her personal life as well as to her surrounding reality: in Gacek’s landscapes we can find Polish mountains, suburban America, TV and art magazines. Objects and images from different times and places connect to unfold a new story, often woven into the materials themselves: the use of clay to allude to the characteristics of flesh, or the cotton to suggest comfort.

Marysia Gacek (b.1986, Nowy Targ, Poland) received her BFA from the School of Visual Arts, New York. Recent shows include This attitude does not necessarily open them to criticism, especially when they contributed to the preservation of well-being (with Natalie Häusler), PS122 Gallery, New York (2010); Certain Rhymes, Vagabond Schmarotzer Gallery, New York (2010). Selected group shows include Closed for installation, 303 Gallery staff group show: Past and Present, 303 Gallery, New York (2010); Give me a minute, The Shirey, Brooklyn, New York (2010). Her work was screened at II Tranzyt International Documentary Festival, Poznan, Poland (2010) and during Zbylut Grzywacz (1939-2004), City Art Gallery, Lodz; National Museum of Krakow, Poland (2010). Marysia Gacek lives and works in New York.

The exhibition will be on view until Saturday, June 11, 2011.

With the patronage of the Consulate General of the Republic of Poland in Milan.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milan, italy
opening hours: tuesday – friday from 3pm to 7pm (or by appointment)
for further information:
unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

xavier mazzarol_behaving like helter-skelter_installation views_photos by lilian istrati

2011-04-06T03:51:00.000-07:00

xavier mazzarol_behaving like helter-skelter_invitation

2011-03-11T08:17:00.000-08:00

xavier mazzarol_behaving like helter-skelter_press release

2011-03-11T08:08:00.000-08:00

mercoledì 23 marzo 2011 ore 18

unosolo project room

presenta la mostra

behaving like helter-skelter

xavier mazzarol

unosolo è lieta di annunciare Behaving like Helter-Skelter, la prima mostra personale in Italia dell’artista francese Xavier Mazzarol. Per l’occasione l’artista ha concepito e realizzato un nuovo corpo di lavori prendendo spunto dai molteplici significati di un termine inglese, Helter-Skelter, divenuto di uso comune anche e soprattutto in seguito a noti fatti di cronaca. Titolo di una famosa canzone dei Beatles del 1968, si dice che il testo abbia ispirato gli omicidi commessi dalla famiglia Manson in California nell’anno seguente. Una delle vittime, Sharon Tate, era la moglie del regista e attore polacco-francese Roman Polanski, il quale nel 1968 diresse il film Rosemary’s Baby nello stesso palazzo in cui viveva l’ex Beatle John Lennon e nel quale venne assassinato nel 1980.

Affascinato da questo incredibile intreccio di eventi reali e fiction cinematografica, Xavier Mazzarol esplora e sfrutta le tensioni suggerite da questo termine e che sente particolarmente affini al nostro quotidiano. Ansia, eccitazione, tradimento, piacere, paura, menzogna, cospirazione si aggrovigliano determinando uno stato di confusione e disordine, in cui intuizione e immaginazione diventano gli unici strumenti per trovare un senso nel caos.

Curiosamente Helter-Skelter indica anche uno scivolo a spirale molto comune nei luna park: Xavier Mazzarol decide di snodare la sua personale spirale di emozioni nello spazio di unosolo. Opere ed installazioni ben distinti tra loro in modo da creare intenzionalmente delle collisioni, rimangono allo stesso tempo legati l’uno all’altro come vasi comunicanti grazie allo spazio con cui si confrontano.

Alle ore 19 avrà luogo una performance ispirata al film Rosemary’s Baby.

Xavier Mazzarol (1976, Parigi) vive e lavora a Berlino. Tra le recenti mostre ricordiamo: Art by Telephone, a cura di Rebecca Lamarche-Vadel e Cecile B.Ewans, Art&Paradox Fair, FIAC, Parigi (2010); Ins Blickfeld gerückt, French Institute, Berlino (2010); THRILLER, a cura di Eric Stephany & Xavier Mazzarol, studio di Xavier Mazzarol, Berlino (2010); What was the word I want, Galerie Hussenot, Parigi (2008).

La mostra proseguirà fino a sabato 30 Aprile 2011.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milano
orari di apertura: martedì – venerdì dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)
per ulteriori informazioni:
unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

wednesday, march 23, 2011 6pm

unosolo project room

is pleased to announce the exhibition

behaving like helter-skelter

xavier mazzarol

Unosolo is pleased to announce Behaving like Helter-Skelter, the first solo exhibition in Italy by French artist Xavier Mazzarol. For this occasion Mazzarol has conceived and created a new body of works taking inspiration from the manifold significances of a British English term, Helter-Skelter, which has entered our vocabulary because of notorious crime news. It is in fact the title of a song by The Beatles recorded in 1968 whose lyrics inspired the murders committed by Charles Manson and his ‘family’ in California the following year. One of the victims, Sharon Tate, was the wife of Polish-French director, writer and actor Roman Polanski, who directed the film Rosemary’s Baby in the same building where former Beatle John Lennon lived from 1973 on and where he was assassinated in 1980.

Fascinated by this bizarre tangle of real facts and cinematographic fiction Xavier Mazzarol explores and uses the energies suggested by this term and that he feels particularly related to our everyday life: anxiety, excitement, treason, pleasure, fear, lies, conspiracy tangle up determining a state of confusion and disorder, where intuition, fantasy and imagination are the only means to find some sense in the chaos.

Curiosly Helter-Skelter is also the name of a spiralling amusement park slide: Xavier Mazzarol intends to unroll his personal spiral of emotions in the space of unosolo. Artworks, different from each other to create intentional collisions, are, at the same time, deeply related like comunicating vessels thanks to the space they are confronted to.

A performance inspired by the film Rosemary’s Baby will take place at the gallery at 7pm.

Xavier Mazzarol (b.1976, Paris) lives and works in Berlin. Recent shows include: Art by Telephone, curated by Rebecca Lamarche-Vadel and Cecile B.Ewans, Art&Paradox Fair, FIAC, Pariis (2010); Ins Blickfeld gerückt, French Institute, Berlin (2010); THRILLER, curated by Eric Stephany & Xavier Mazzarol, Xavier Mazzarol’s studio, Berlin (2010); What was the word I want, Galerie Hussenot, Paris (2008).

The exhibition will be on view until Saturday, April 30, 2011.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milan, italy
opening hours: tuesday – friday from 3pm to 7pm (or by appointment)
for further information:
unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

adam thompson_installation views_photos by lilian istrati

2011-02-15T06:41:00.000-08:00

adam thompson_invitation

2011-02-07T08:39:00.000-08:00

adam thompson_press release

2011-02-07T08:34:00.000-08:00

mercoledì 9 febbraio 2011 ore 18

unosolo project room

presenta la mostra

adam thompson

Adam Thompson preferisce allontanarsi dalla creazione vera e propria, utilizzando oggetti ritrovati che provengono da una grande varietà di fonti e luoghi. Senza una logica predeterminata o un preciso codice concettuale che ne determinino l’inclusione o l’esclusione, questi oggetti vengono collocati nello spazio in gran parte inalterati, con una economia di strumenti che non aggiunge nulla ad un preesistente stato di industriale sovrabbondanza e nel più ampio rispetto della loro integrità. Le tensioni insite in ciascun lavoro vengono amplificate attraverso il dialogo con tutti gli altri e dal valore loro attribuito in quanto parte di una esposizione artistica.

Portando con sè evidenti tracce di decadenza, collasso e fallimento, gli oggetti che Thompson utilizza rimandano al momento in cui il logorio ambientale prende il sopravvento e ciò che rimane è il detrito, mostrando la regressione alla loro natura originaria. In questo modo i temi dell’obsolescenza, della regressione e dell’esaurimento attivano quel potenziale che risiede nell’effimera comprensione della materia. Rianimando questi materiali e detriti culturali, Thompson propone un esame sul concetto stesso di creatività e sulla relazione dell’umanità con la natura attraverso una esperienza materica piuttosto che linguistica.

‘In un certo senso, non c’è niente di nuovo qui. È un umile processo in cui si raccolgono e si compongono oggetti trovati, come farebbe un archeologo, un metodo che potrebbe essere descritto semplicemente come composizione di ciò che già esiste. Niente è trasformato da un intervento diretto. Questo comporta una conversazione più ampia sulla creatività, in cui il consumatore/soggetto affronta ingiunzioni constanti e ostinate sull’essere creativo. Io voglio che questa riduzione stimoli la discussione sull’importanza dell’invenzione come requisito dell’opera d’arte’ (Adam Thompson).

Adam Thompson (1980, Ipswich, UK) ha studiato presso il Goldsmiths College e vive e lavora a Londra. Tra le recenti mostre personali Unthinged, Hayward Gallery Concrete Space, Londra, UK (2010); MOT International, Londra, UK (2010); Galerie Bernhard Knaus, Francoforte, Germania (2008). Tra le mostre collettive ricordiamo Newspeak: British Art Now, The Saatchi Gallery, Londra, UK (2010); Discretion/Determination, La Salle de bains, Lione, Francia (2010); Between the Silhouette and the Background, 1/9unosunove, Roma, Italia (2010); The Object of the Attack, The David Roberts Art Foundation, Londra, UK (2009).

La mostra proseguirà fino a sabato 19 marzo 2011.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milano
orari di apertura: martedì – venerdì dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)
per ulteriori informazioni:
unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

wednesday, february 9, 2011 6pm

unosolo project room

is pleased to announce the exhibition

adam thompson

Adam Thompson prefers to distance himself from hands on making, utilizing found objects from a variety of locations and sources. Without a predetermined logic or conceptual code for their inclusion or exclusion, these objects are redistributed in the space largely unaltered, with an economy of means that adds nothing to an existing state of industrial overabundance and with large respect for their integrity. The tensions within the individual pieces are enhanced by the relationship between the works collectively and their questionable value as an exhibition.

Exhibiting decay, collapse and failure, the objects emerge from the moment environmental attrition takes hold and regress to their orignal nature. Yet themes of obsolescence, regression and exhaustion give way to the potential residing within the ephemeral understanding of matter. By re-instituting this material and cultural detritus, Thompson enacts an examination of creativity itself and of humankind’s relationship to nature through a physical experience which has been prioritized over language.

‘In a sense, there is not anything new here. It’s an unassuming process of collecting and composing found objects like an Archaeologist, not taking ownership but simply making visible, a method that could be described simply as composition. Nothing is transformed by direct intervention. This points to a broader conversation about value, authorship and creativity, when the consumer/subject faces constant and unrelenting injunctions to be creative. This pushes the question of the importance of invention as a requirement of the artwork's agency’.

Adam Thompson (b. 1980, Ipswich, UK) studied at Goldsmiths College and lives and works in London. Recent solo shows include Unthinged, Hayward Gallery Concrete Space, London (2010); MOT International, London (2010); Galerie Bernhard Knaus, Frankfurt, Germany (2008). Group shows include The Shape of Things to Come, The Saatchi Gallery, London (2011); Discretion/Determination, La Salle de bains, Lyon, France (2010); Between the Silhouette and the Background, 1/9unosunove, Rome, Italy (2010); The Object of the Attack, The David Roberts Art Foundation, London, UK (2009).

The exhibition will be on view until Saturday, March 19, 2011.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milan, italy
opening hours: tuesday – friday from 3pm to 7pm (or by appointment)
for further information:
unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

jason kalogiros_testimony of simplicity_installation views

2010-12-21T02:44:00.001-08:00

jason kalogiros_testimony of simplicity_invitation

2010-12-04T01:49:00.000-08:00

jason kalogiros_testimony of simplicity_press release

2010-12-04T01:46:00.000-08:00

mercoledì 15 dicembre 2010 ore 18

unosolo project room

presenta la mostra

testimony of simplicity

jason kalogiros

unosolo è lieta di annunciare Testimony of Simplicity, la prima mostra personale in Europa dell’artista americano Jason Kalogiros. Per l’occasione Kalogiros ha realizzato una serie di lavori fotografici in cui raddoppiamento e ripetizione diventano sia strumento di produzione che metaforico punto di partenza. Per realizzare queste immagini l’artista ha utilizzato una fotocamera con foro stenopeico (double pinhole camera) costruita con un contenitore d’avena della marca Quaker Oats. Dei buchi realizzati in prossimità degli occhi dell’iconico ritratto che appare su questo contenitore diventano aperture gemelle che producono un’immagine doppia.

Il nome Quaker Oats, insieme al volto sorridente ormai simbolo di questo prodotto, intende suggerire quegli ideali di integrità, onestà e purezza spesso associati alla Società degli Amici – o Quaccheri, altro nome con cui sono conosciuti i fedeli di questo movimento religioso appartenente al protestantesimo. Con le parole Testimony of Simplicity i quaccheri intendono sostenere che l’individuo dovrebbe vivere la propria vita all’insegna della semplicità, concentrandosi solo su ciò che è realmente importante. Kalogiros si appropria del nome di questa dottrina per farne un principio guida nel proprio lavoro.

Per l’artista questa nuova serie di lavori è il risultato della ricerca intrapresa qualche tempo fa: scoprire se è ancora possibile ottenere un’immagine genuina e autentica di un soggetto ormai stereotipato e apparentemente consumato: un tramonto. Utilizzando la stenoscopia, un procedimento fotografico appreso da studente, ha tentato di osservare e rappresentare questo soggetto ‘ordinario’ in maniera nuova. La doppia apertura di Kalogiros produce un’immagine che trasforma questo soggetto divenuto ormai un cliché. Come lo stesso artista ha sottolineato ‘mentre un tramonto rappresenta una fine, un tramonto doppio suggerisce una metafora per un finale alternativo, o la speranza e la possibilità di molteplici conclusioni’ (J. Kalogiros).

Jason Kalogiros (1975, New Brunswick, NJ, USA) vive e lavora a San Francisco. Tra le più recenti mostre personali ricordiamo Duplicate Location, Spare Room Project, San Francisco, (2009) (doppia personale con Maggie Preston) e Doubling Back, Chesapeake Gallery, Bel Air, USA (2008). Tra le mostre collettive La chat grenouille, a cura di Raimundas Malasauskas, unosolo project room, Milano, (2010) ShadowShop, SFMOMA, San Francisco (2010), Altogether Elsewhere, a cura di Rob Tufnell, Rodeo, Istanbul (2010), Back to front, Queens Nails Projects, San Francisco (2009), One of these things is not like the other things, a cura di Raimundas Malasauskas, 1/9unosunove, Roma (2008).

La mostra proseguirà fino a sabato 29 gennaio 2011.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milano
orari di apertura: martedì – venerdì dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)
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unosolo@unosunove.com
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wednesday, december 15, 2010 6pm

unosolo project room

is pleased to announce the exhibition

testimony of simplicity

jason kalogiros

unosolo is pleased to announce Testimony of Simplicity the first solo exhibition in Europe of California-based artist Jason Kalogiros. The exhibition will feature a number of photographic works that utilize doubling and repetition as both a mode of production as well as a metaphorical grounding point. To produce these images, Kalogiros used a double pinhole camera fashioned from a Quaker Oats oatmeal container. Holes poked through the eyes of the iconic portrait that appears on the front of the container have become twin apertures, yielding a double image.

The name “Quaker Oats,” in conjunction with the smiling image long associated with this product, is meant to suggest the ideals of integrity, honesty and purity often associated with the Religious Society of Friends-- or Quakers, as they are also known. The Quaker Testimony of Simplicity states that one’s life should be lived as simply as possible, in order to focus on what is most important. Kalogiros’ appropriation of the name of this doctrine suggests that he is using it as a guiding principle for his work.

Kalogiros has commented that this body of work came about as a result of trying to figure out if it was still possible to make a sincere image of an over-represented and seemingly exhausted subject: a sunset. It occurred to him that using pinhole photography—an approach he had learned many years before, as a beginning student-- might enable him to see and portray this clichéd subject anew. Kalogiros’ double aperture yields an image that transforms its clichéd subject. As he has noted: ‘While a sunset represents an ending, a double sunset suggests a metaphor of an alternate story, of the hope and possibility of multiple endings.’

Jason Kalogiros (b. 1975, New Brunswick, NJ) lives and works in San Francisco, CA. Recent solo shows include Duplicate Location, Spare Room Project, San Francisco, (2009) (two person show with Maggie Preston) and Doubling Back, Chesapeake Gallery, Bel Air, USA (2008). Group shows include La chat grenouille, curated by Raimundas Malasauskas, unosolo project room, Milan, (2010) ShadowShop, SFMOMA, San Francisco (2010), Altogether Elsewhere, curated by Rob Tufnell, Rodeo, Istanbul (2010), Back to front, Queens Nails Projects, San Francisco (2009) One of these things is not like the other things, curated by Raimundas Malasauskas, 1/9unosunove, Rome (2008).

The exhibition will be on view until Saturday, January 29, 2011.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milan, italy
opening hours: tuesday – friday from 3pm to 7pm (or by appointment)
for further information:
unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

la chat grenouille_installation views_photos by lilian istrati

2010-11-27T08:12:00.000-08:00

la chat grenouille_several versions of a cat-frog from the bestiary of Raimundas Malašauskas_Invitation

2010-11-13T14:10:00.001-08:00

la chat grenouille_several versions of a cat-frog from the bestiary of Raimundas Malašauskas_Press release

2010-11-13T14:05:00.000-08:00

mercoledì 17 novembre 2010 ore 18

unosolo

presenta la mostra

la chat grenouille

versioni di una gatto-rana dal bestiario di raimundas malašauskas

Il metodo della psicodiagnostica basato sulla lettura e interpretazione di macchie d’inchiostro venne sviluppata dallo psichiatra svizzero Hermann Rorschach nel 1921. Noto come ‘test di Rorschach’ rimane ancora oggi uno tra i dieci principali test psicologici utilizzati in tutto il mondo per determinare le caratteristiche di una personalità e lo stato di salute mentale di un individuo.

Hermann Rorschach (1884 - 1922) fu anche un artista abile e affermato che espresse attraverso i suoi disegni e acquerelli il proprio interesse verso l’ambiguità delle immagini ancora prima di dedicarsi al metodo della diagnosi psichica. Tra le varie creature che rappresentò ci fu ‘La Chat Grenouille’ (la gatto-rana), una creatura a metà tra un gatto e una rana. Il muso è nascosto all’osservatore, mentre il dorso potrebbe rappresentare allo stesso tempo quello di un gatto o di una rana.

Affascinato dalle molteplici ambiguità insite in un’immagine, Raimundas Malašauskas ha chiesto ad alcuni artisti di realizzare versioni della rana-gatto da includere nel suo bestiario*. Il suo intento è quello di suscitare interpretazioni soggettive della riproduzione, anche se il confronto con il gatto-rana ha sollevato allo stesso tempo riflessioni sulla simmetria, diagnosi psichica ed economia. Il risultato di queste differenti interpretazioni varia dalla scultura al disegno e alla musica.

Un autoritratto di Raimundas Malašauskas realizzato da Alexandre Guirkinger e curato dallo stesso Malašauskas si unirà alle versioni della gatto-rana realizzate da Pierre Bismuth, Judith Braun, Liudvikas Buklys, Celine Butaye, Etienne Chambaud, Audrey Cottin, Mariana Castillo Deball, Jason Kalogiros, Pierre Leguillon, Nicholas Matranga, John Menick, Aurélien Mole, Milena Muzquiz, Elena Narbutaite e da un artista sconosciuto.

*Il bestiario di Raimundas Malašauskas contiene creature che non hanno necessariamente seguito le naturali leggi evolutive, ma che sono state immaginate e create da artisti. "Il mio bestiario scaturisce da un interesse cripto-museologico verso animali immaginari come l’unicorno, o figure mentali come il Gatto di Schrödinger o verso creature sconosciute, non catalogate, ancora da scoprire. Vi ricordate quando Milkshake in Aqua Teen Hunger Force ha accidentalmente creato Hand Banana, il cane, immergendo la mano nella vasca di Carl? Questo genere di creature è lì" (conversazione con Jonas Zakaitis, Spike 24 - 2010).

La mostra proseguirà fino a sabato 11 dicembre 2010.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milano
orari di apertura: martedì – venerdì dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)
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wednesday, november 17, 2010 6pm

unosolo

is pleased to announce the exhibition

la chat grenouille

several versions of a cat-frog from the bestiary of raimundas malašauskas

The method of psycho-diagnostics based on inkblot reading was developed by the Swiss psychiatrist Hermann Rorschach in 1921. Known as the Rorschach test it still remains among the 10 main psychological tests worldwide used in identifying personality characteristics and the state of mental health.

Hermann Rorschach (1884 - 1922) was also an accomplished artist whose drawings and water-colors expressed his interest in the ambiguity of images before he turned it into a method of psycho-diagnostics. Among various creatures he depicted was La Chat Grenouille, a creature ‘fluctuating’ between a cat and a frog. Its face is hidden from us, yet its back belongs to cat and frog at the same time.

Fascinated by the multiple ambiguities of an image, Raimundas Malašauskas asked some artists to make copies of the cat-frog for his bestiary*. His interest was to instigate individual interpretations of copy-making, however dealing with the cat-frog brought on issues of symmetry, psycho-diagnostics and economy. The spectrum of results ranges from sculptures to paintings and to a song.

A specially curated self-portrait of Malašauskas taken by Alexandre Guirkinger will join the company of the cat-frogs made by Pierre Bismuth, Judith Braun, Liudvikas Buklys, Celine Butaye, Etienne Chambaud, Audrey Cottin, Mariana Castillo Deball, Jason Kalogiros, Pierre Leguillon, Nicholas Matranga, John Menick, Aurélien Mole, Milena Muzquiz, Elena Narbutaite and by an unknown artist.

*Malašauskas’ bestiary contains creatures that didn't necessary follow natural evolution laws, but were created or befriended by artists. "My bestiary stems from a crypto-museological interest in imaginary animals like unicorn or thought figures like Schrödinger's Cat or unnamed, uncategorised, not yet discovered creatures. Remember when Milkshake of Aqua Teen Hunger Force accidentally created Hand Banana, the dog, by dipping his hand into Carl's pool? These type of creatures are there" he explains (conversation with Jonas Zakaitis, Spike 24 - 2010).

The exhibition will be on view until Saturday, December 11, 2010.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milan, italy
opening hours: tuesday – friday from 3pm to 7pm (or by appointment)
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raffaella crispino_no politics, no war, just simple stories_installation views_photos by lilian istrati

2010-10-19T13:54:00.000-07:00

Raffaella Crispino_No politics, no war, just simple stories

2010-09-15T07:24:00.001-07:00

Raffaella Crispino_No politics, no war, just simple stories_Press release

2010-09-14T06:27:00.000-07:00

mercoledì 22 settembre 2010 ore 18

unosolo project room

presenta la mostra

no politics, no war, just simple stories

raffaella crispino

In occasione dell’inaugurazione della nuova sede milanese, unosolo, la project room di 1/9 unosunove, è lieta di annunciare la mostra personale di Raffaella Crispino (1979, Napoli).

No politics, no war, just simple stories presenta i lavori che l’artista ha realizzato durante la sua ultima residenza presso il JCVA di Gerusalemme e frutto di una rielaborazione di materiali appartenenti al suo archivio familiare legato alla guerra del Libano del 1984. Oggetti e immagini provenienti da temporalità diverse vengono qui messi in relazione per di aprire una nuova narrazione. Il titolo nega e al tempo stesso conferma una situazione di conflitti a cui fa eco l’interesse dell’artista verso i grandi temi raccontati attraverso una diretta esperienza su campo e storie di vita quotidiana.

Raffaella Crispino si interroga costantemente sui luoghi in cui si trova, ne osserva le caratteristiche rispettandone le diversità, porta alla luce contraddizioni e svela possibili affinità con il proprio luogo di origine e la propria storia personale. Lavori fotografici, archivi di immagini e oggetti ritrovati durante i frequenti viaggi, video ed installazioni ci restituiscono uno sguardo sulle culture israeliana e palestinese, il racconto di un viaggio che diventa un attento ritratto sociale, antropologico e politico senza mai perdere di vista il lato più emotivo e spontaneo.

Tra i lavori in mostra, il video Lebanon 1984 condensa il tema del conflitto, il fascino verso quelle terre orientali e una forte componente privata. Si tratta di una rielaborazione di un lungo film amatoriale realizzato dal padre dell’artista ai tempi in cui egli pilotava gli elicotteri dell’ONU durante la guerra del Libano nel 1984. Immagini di gente del luogo, voli e salvataggi in elicottero si alternano con scene goliardiche tra colleghi, accompagnate da una personale selezione musicale scelta degli stessi protagonisti. Un opera-reperto che nella leggerezza e spensieratezza dei suoi elementi racconta un quotidiano speciale con toni nostalgici, ironici, comici, e spesso anche eroici.

Raffaella Crispino vive e lavora a Napoli. Si è laureata in Arti Visive presso lo IUAV di Venezia e in scenografia presso l'Accademia di Belle Arti di Napoli. Ha vinto due borse di studio con la New York University e con l'università UdK di Berlino. Lo scorso gennaio è stata invitata alla residenza artistica del JCVA di Gerusalemme curata da Nirith Nelson. Precedentemente ha partecipato alle residenza artistica del CCA-Kitakyushu in Giappone e del Casino Luxembourg. Tra le piu recenti mostre personali ricordiamo: Senza Titolo (Inno Nazionale Italiano), a cura di Sottobosco, Chan Arte, Genova (2009); Transit 3, a cura di A. Rispoli, M. Sheleff e E. Viola, CCA Contemporary Art Center, Tel Aviv (2009); La Casa dei Sette Conti, a cura di Jota Castro, One Piece Contemporary Art Gallery, Roma (2007). Attualmente partecipa alla Biennale di Paesaggistica di Bat-Yam in Israele con un’installazione urbana permanente.

La mostra proseguirà fino a sabato 30 ottobre 2010.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milano
orari di apertura: martedì – venerdì dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)
per ulteriori informazioni:
unosolo@unosunove.com
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wednesday, september 22nd, 2010 6pm

unosolo project room

is pleased to announce the exhibition

no politics, no war, just simple stories

raffaella crispino

On the occasion of the inaugural opening of its new venue in Milan, unosolo, the project room of 1/9 unosunove is pleased to announce the solo show by Italian artist Raffaella Crispino (1979, Naples).

No politics, no war, just simple stories presents the artworks that the artist created during her last residence at the JCVA in Jerusalem and which are the result of an elaboration of materials belonging to her personal memory and related to the war in Lebanon in 1984. Objects and images from different times and places are now connected to unfold a new story. The title both denies and confirms a moment of conflict, echoing the interest of the artist for these important themes which are described through direct esperiences and everyday life.

Raffaella Crispino constantly poses questions about the places she visits: she observes their characteristics respecting their differences, she reveals contraddictions while unveiling possible references with her homeland and personal history. Photos, archives of objects and images found during her frequent travels, video and installations offer a view of the Israeli and Palestinian cultures, the story of a journey that turns into a careful social, anthropological and political portrayal always mantaining a profound human and spontaneous aspect.

The video Lebanon 1984 well combines the theme of conflict, the fascination towards those middle-eastern countries and a strong personal feature. It is the elaboration of a long amateur film shot by the father of the artist while he was serving as a helicopter pilot during the Lebanon war in 1984. Images of local people, flights and rescues alternated with jokes and playful moments are accompanied by a personal selection of songs chosen by the protagonists themselves. It is an artwork that narrates with delicacy and lightness a very special daily life with nostalgic, ironic, funny and sometimes heroic tones.

Raffaella Crispino lives and works in Naples. She received a Master in Visual Arts at the IUAV in Venice and graduated in Set Design from the Fine Arts Academy in Naples. She was awarded a scholarship from the New York University and from the Berlin UdK University, and was artist-in-residence at the CCA-Kitakyushu in Japan and at the Casino Luxembourg. In January 2010 she was invited to the JCVA Jerusalem curated by Nirith Nelson. Recent solo exhibitions include: Senza Titolo (Inno Nazionale Italiano), curated by Sottobosco, Chan Arte, Genoa, Italy (2009); Transit 3, curated by A. Rispoli, M. Sheleff and E. Viola, CCA Contemporary Art Center, Tel Aviv, Israel (2009); La Casa dei Sette Conti, curated by Jota Castro, One Piece Contemporary Art Gallery, Rome, Italy (2007). She is currently exhibiting at the Biennale of Landscape Urbanism in Bat –Yam (Israel) with a permanent installation.

The exhibition will be on view until Saturday, October 30th, 2010.

unosolo project room

via broletto, 26

20121 milan, italy
opening hours: tuesday – friday from 3pm to 7pm (or by appointment)
for further information:
unosolo@unosunove.com
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unosolo_project room_nuova sede_milano

2010-09-07T08:38:00.000-07:00

Comunicato stampa

unosolo_project room si trasferisce a Milano

La galleria 1/9unosunove è lieta di annunciare che, a partire da settembre 2010, il programma di mostre di unosolo_project room proseguirà nella nuova sede di Via Broletto, 26 (ex Notfair gallery) a Milano.

Ottimi riscontri in termini di critica e interesse hanno caratterizzato il primo ciclo di mostre di questa nuova iniziativa: artisti internazionali alle prese con la prima mostra personale in Italia hanno accolto con entusiasmo l’invito a confrontarsi con questo progetto espositivo. Ne è risultato un intenso programma che ha visto alternarsi ambiziosi progetti fra i quali ricordiamo le inedite installazioni di Elín Hansdóttir e Amir Mogharabi e le opere site-specific realizzate da Gintaras Didziapetris e Lisa Williamson.

Il desiderio di ricerca e la volontà di sperimentazione si concretizzano ora in una seconda fase di unosolo_project room che, in uno spazio nuovo e diverso da quello di origine, inserito in un differente e stimolante contesto, intende proporre il proprio punto di vista attraverso un inedito programma di mostre. Mantenendo inalterate le caratteristiche della propria missione, l’obiettivo sarà di mettere a disposizione di un nuovo pubblico il percorso iniziato un anno fa, spingendo in avanti l’idea di rinnovamento che lo distingue.

Ad inaugurare il nuovo percorso di unosolo_project room a Milano sarà la mostra personale dell’artista italiana Raffaella Crispino (1979, Napoli) dal titolo ‘No politics, no war, just simple stories’ che si terrà a partire da mercoledì 22 settembre alle ore 19.

La programmazione della galleria 1/9unosunove proseguirà regolarmente negli spazi di Via degli Specchi, 20 a Roma.

unosolo_project room

unosolo@unosunove.com

www.unosolo-projectroom.blogspot.com

Press release

unosolo_project room moves to Milan

Galleria 1/9unosunove is pleased to announce that from September 2010 the exhibition program of unosolo_project room will continue in its new venue in Via Broletto, 26, Milan (formerly the site of Notfair gallery).

The exhibitions displayed during the first year of this initiative received positive responses both in terms of reviews and interest: international artists enthusiastically accepted the invitation of confronting themselves with this new project which often coincides with their first solo show in Italy. The result was an intensive program of events and ambitious projects that included the inedited installations of Elín Hansdóttir and Amir Mogharabi and the site-specific artworks created by Gintaras Didziapetris and Lisa Williamson.

The desire to research and experiment have now led to a second phase of unosolo which intends to propose its point of view through an inedited exhibition program in a new exhibition space and in a different and challenging context. The aim is to introduce this project to a new public pursuing the investigation that distinguishes its identity and mission.

The inaugural exhibition of the new venue of unosolo_project room in Milan will be the solo show by Italian artist Raffaella Crispino (1979, Naples) entitled ‘No politics, no war, just simple stories’ that will take place on september 22 at 7pm.

The program of exhibitions of galleria 1/9unosunove will regularly continue in Via degli Specchi, 20 in Rome.

unosolo_project room

unosolo@unosunove.com

www.unosolo-projectroom.blogspot.com

unosolo_orario estivo_chiusura estiva

2010-07-14T04:47:00.000-07:00

martedì – venerdì, dalle 11 alle 19

lunedì su appuntamento. chiuso il sabato

unosolo rimarrà chiusa per la pausa estiva dal 31 luglio al 30 agosto compresi

tuesday – friday, from 11am to 7pm

monday by appointment only. closed on saturdays

unosolo will be closed for summer holidays from july 31 to august 30

per-oskar leu_vox clamantis in deserto

2010-06-21T09:34:00.000-07:00

per-oskar leu_vox clamantis in deserto_press release

2010-06-21T09:28:00.001-07:00

giovedì 24 giugno 2010 ore 19

unosolo project room

presenta la mostra

vox clamantis in deserto

per-oskar leu

In occasione della sua prima mostra in Italia l’artista norvegese Per-Oskar Leu (Oslo, 1980) presenta il film Vox Clamantis in Deserto, una sorta di canto del cigno nel panorama del “True Norwegian Black Metal”. Considerato negativamente per la sua misantropia e per lo sfrontato rifiuto dei valori cristiani tradizionali, il black metal norvegese si è imposto all’attenzione del mondo all’inizio degli anni ’90, in seguito ad un’ondata di delitti e incendi di chiese. La grande risonanza mediatica suscitata da questi eventi ha innescato un fenomeno di isteria di massa senza precedenti, e solo in seguito ai sempre maggiori consensi da parte della critica, l’attenzione si è spostata su un fenomeno che inizialmente era stato considerato dal pubblico generico come maligno e antisociale. Vent’anni dopo il genere è ritenuto una delle principali esportazioni musicali norvegesi, e i suoi musicisti sono diventati improbabili portavoce della cultura norvegese all’estero.

Il film è basato sull’aria Vesti la Giubba dall’opera Pagliacci di Ruggero Leoncavallo. Vestito con un costume caratteristico del black metal, Leu interpreta il ruolo di Pagliaccio, il clown tormentato che uccide la moglie e il suo amante in un accesso di gelosia. Girato in luoghi diversi, principalmente il negozio di dischi Helvete (che letteralmente significa Inferno) e la Holmenkollen Chapel (incendiata e distrutta nel 1992 dal musicista norvegese Varg Vikernes), il lavoro cerca di smontare alcuni dei miti che ancora oggi circondano il black metal norvegese. Altre scene sono filmate nel nuovo Teatro dell’Opera di Oslo, determinando così ulteriori paralleli tra la natura teatrale e l’inclinazione ai gesti enfatici che entrambe le espressioni musicali condividono.

Mettere in discussione la nozione di autenticità è un tema ricorrente nel lavoro di Leu. Mentre il black metal è salutato ancora da alcuni come l’ultima vera espressione della cultura giovanile trasgressiva, l’artista sceglie invece di tracciare la sua transizione da movimento satanico underground a forma di intrattenimento più convenzionale. Così Vox Clamantis in Deserto si legge come una tragedia faustiana, soffermandosi sul compito apparentemente impossibile di far valere la ribellione in una società dove un posto sotto i riflettori neutralizza con successo ogni tentativo di sovversione.

Per-Oskar Leu vive e lavora a Oslo, Norvegia. Tra le più recenti mostre personali: BFF, Johan Berggren Gallery, Malmö, Svezia (2010); Part Thirteen: Per-Oskar Leu, Vanish, Frankfurt am Main, Germania. Recenti mostre collettive includono: Our TV Part 2, SWG3, Glasgow, UK (2010), Judge me, Johann Berggren Gallery, Malmö, Svezia; Frieze Projects, Londra, UK (2009).

La mostra proseguirà fino a venerdì 30 luglio 2010.

unosolo project room osserverà i seguenti orari di apertura:
martedì – venerdì dalle 11.00 alle 19.00, sabato dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)
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tel. +39 06 97613696

fax +39 06 97613810
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thursday, june 24th, 2010 7pm

unosolo project room

is pleased to announce the exhibition

vox clamantis in deserto

per-oskar leu

For his first show in Italy Norwegian artist Per-Oskar Leu (Oslo, 1980) presents the film Vox Clamantis in Deserto, a swan song for the 'True Norwegian Black Metal'. Infamous for its misanthropy and blatant rejection of traditional Christian values, Norwegian black metal was thrust into the world's attention in the early 1990's, following a wave of murders and church burnings. Vast media coverage of the events sparked an unprecedented mass hysteria, but as more and more bands won critical acclaim, the tide soon shifted on a phenomenon that had initially been deemed as evil and antisocial by the general public. Twenty years later the genre is considered one of Norway's biggest musical exports, and the performers have become unlikely ambassadors of Norwegian culture abroad.

The film Vox Clamantis in Deserto is based on the aria Vesti la Giubba from Ruggero Leoncavallo's opera Pagliacci. Dressed in characteristic black metal costume, Leu interprets the role of Pagliaccio, the tormented clown who kills his wife and her lover in a fit of jealous rage. Shot at various landmark locations such as the former record store Helvete (literally meaning Hell) and the Holmenkollen Chapel (burned to the ground by seminal figure Varg Vikernes in 1992), the work attempts to dismantle some of the myths that still surrounds Norwegian black metal to this day. Additional scenes are filmed at Oslo's newly built opera house where further parallels are drawn between the theatrical nature and grand gestures shared by both musical expressions.

Questioning notions of authenticity is a recurring theme in much of Leu's work. While black metal is still hailed by some as the last truly transgressive youth culture, Leu chooses instead to trace its transition from satanic underground movement into mainstream entertainment. Thus Vox Clamantis in Deserto reads as a Faustian tragedy, dwelling on the seemingly impossible task of asserting rebellion in a society where a place in the spotlight will successfully neutralize any attempt at subversion.

Per-Oskar Leu currently lives and works in Oslo, Norway. Most recent solo shows: BFF, Johan Berggren Gallery, Malmö, Sweden (2010); Part Thirteen: Per-Oskar Leu, Vanish, Frankfurt am Main, Germany. Recent group exhibitions: Our TV Part 2, SWG3, Glasgow, UK (2010), Judge me, Johann Berggren Gallery, Malmö, Sweden; Frieze Projects, London, UK (2009).

The exhibition will be on view until Friday, July 30th, 2010.

unosolo opening hours:

Tuesday – Friday, 11am – 7pm, Saturday 3pm – 7pm (or by appointment)

For further information:
Tel. +39 06 97613696

Fax +39 06 97613810
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lisa williamson_the reader in the garden_installation views

2010-05-28T05:59:00.000-07:00

lisa williamson_the reader in the garden

2010-05-20T06:13:00.000-07:00

lisa williamson_the reader in the garden_press release_ ita_eng

2010-05-20T05:59:00.000-07:00

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lunedì 24 maggio 2010 ore 19

unosolo

presenta la mostra

the reader in the garden

lisa williamson

unosolo, la project room di 1/9 unosunove, è lieta di annunciare la prima mostra personale in Italia dell’artista statunitense Lisa Williamson (1977, Champaign, Illinois).

The Reader in the Garden

La vegetazione di questo posto sembra aver perduto la naturalezza e, fatto ancora più strano, il lettore sembra restare rilassato. È un caso a-tipico. Qualcosa è cambiato sia in alto, sia alla base del giardino del suo padrone di casa. Potrebbe essere l’effetto di un processo sismico originato nel centro della terra. Una sorta di simposio nel quale i piani vengono rovesciati e ogni cosa è improvvisamente in movimento. A livello ideale questi processi conservano un andamento tranquillo. Sismico, ma sottile.

Letterale, marginale, materiale e ottimistico.

La lettrice entra dal lato destro e procede verso sinistra. Attraversa lo spazio, segue l’angolazione della via, si ferma, si appoggia, si distende e indugia. Accovacciata accanto agli alberi di giada, coglie un avocado che ha le dimensioni di un sasso. La mano ne indaga il peso, la forma dai fianchi gonfi e la consistenza robusta. La lettrice scavalca appena gli ostacoli, dal momento che questi ostacoli in particolare non possono scegliere un’altezza uniforme. Quindi cammina intorno ad ognuno, davanti e dietro, e poi ancora intorno.

Questa logica è insita e sarà ritagliata in sezioni.

È tipico, i suoi muscoli sono come nodi. Tanto spesso che l’incisivo della lettrice si è spostato. Questo ha determinato il suo odio per la ritrattistica. In misura maggiore i suoi piedi sono tormentati dalla narcolessia. Non è casuale. Quello che è casuale è come si sente ultimamente quando si trova immersa nel giardino del proprietario. Qui le piante sono inclinate e le parti ridotte. Riguarda l’orizzontale e la verticale. Resta in tempo: I, II, III, IV, V.

Le immagini e gli oggetti che vedete qui sono scultorei e in scala.

Se la lettrice fosse più spirituale proverebbe a relazionare tutto questo al monaco o alla suora, il chiostro o l’abbazia. Se avesse una maggiore padronanza con la prospettiva dovrebbe metterlo in relazione con l’architetto. Se più impegnata, con il bibliotecario. Se più interessata, con l’amanuense. Se più drammatica, con il muto. Ma ciò che coglierebbe più pienamente il senso sarebbe mettere in relazione tutto questo con le streghe e le parche, queste mura romane e questi versi gnomici.

Il compito della demarcazione è essenziale. Le opere sono indicatori, una successione di suggerimenti e indizi.

Il tradurre è una preoccupazione. C’è l’intonazione, una finitura opaca e morbida, lino premuto contro il vetro, e questa bellissima luce del giorno. Cose espressive in una forma, informano. E ci sono queste pause, una scala che è modesta, e il legno, fondamentalmente. Il contesto è contemplativo e i colori sono semplicemente spenti. Credo che il comunicato stampa sia andato via per il pranzo e sfortunatamente questi pranzi vanno per le lunghe. In verità “CS” non dovrebbe tornare prima che finisca l’orario di lavoro. Ma almeno sia chiaro che le fotografie misurano 11 x 16 pollici, sono lucide, ed i colori sono completamente saturi.

Esistono una logica e un vocabolario, insiti nel lavoro e nella ricerca di Lisa Williamson, che attraversano, trasformano ed uniscono in modi bizzarri e casuali. Ciò che conta per l’artista è la formazione di un linguaggio distinto e imperfetto, una lista aperta di soggetti che rimanga parziale e malleabile, piena di riferimenti e rimandi e che possa essere resa attuale attraverso qualsiasi materiale che possa avere un senso. L’intento è svelare, per poi confondere, i limiti entro i quali un artista vive e produce.

Tutto il suo lavoro, anche quello apparentemente più formale o minimale, possiede alla base una struttura letteraria. Un esempio è la serie di “tapestries” in mostra, tele in lino dipinte con strati di acrilico e smalto. Limitati a pochi colori e forme questi lavori rappresentano delle pause, degli schizzi iniziali in cui forme semplici e ripetitive rappresentano un potenziale strumento di sviluppo e di comprensione.

Lisa Williamson vive e lavora a Los Angeles, USA. Tra le recenti mostre personali: Alex Olson and Lisa Williamson, Shane Campbell Gallery, Chicago, USA (2010); Whisper Chipper, Small A Projects, New York (2009). Recenti mostre collettive includono: Kathryn Andrews, Heather Cook, Leslie Vance and Lisa Williamson, David Kordansky Gallery, Los Angeles, USA (2010); Beyond Process, Renwick Gallery, New York, Usa (2009); Summer Reading, Invisible Exports, New York, USA (2009)

La mostra proseguirà fino a sabato 19 giugno 2010.

Nei giorni 27, 28 e 29 maggio unosolo rimarrà aperta dalle 14 alle 20.

unosolo osserverà i seguenti orari di apertura:
martedì – venerdì dalle 11.00 alle 19.00, sabato dalle 15.00 alle 19.00 (o su appuntamento)
per ulteriori informazioni:
tel. +39 06 97613696

fax +39 06 97613810
unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

monday, may 24th, 2010 7pm

unosolo

is pleased to announce the exhibition

the reader in the garden

lisa williamson

unosolo, the project room of 1/9 unosunove, is delighted to present the first solo show in Italy by US artist Lisa Williamson (b.1977, Champaign, Illinois).

The Reader in the Garden

The vegetation here has lost its mind and even more strange is that the The Reader seems so relaxed. It’s a-typical. At the peak and then again at the base of her landlord’s garden something has shifted. It could be the seismic proceedings from the center of the earth. A symposium of sorts in which plates are knocked over and everything is suddenly in motion. Ideally these proceedings retain a quiet demeanor. Seismic but Subtle.

Literal, Tangential, Material and Optimistic.

The Reader enters from the right and eventually makes her way left. She crosses the angular path, pauses, leans, stretches, and hangs around. Crouched down beside the jade trees The Reader picks up an avocado the size of a boulder and holds it for a length of time. She considers its weight, its bulgy hips and its robust character. The Reader clears hurdles just barely, as these hurdles in particular cannot decide on a uniform height. She walks around each instead, front to back and then back around again.

This logic is inherent and will be carved out in sections.

Typically, her muscles are in knots. So often that The Reader’s front tooth has moved. This has made her detest portraiture. Even further, her feet are cursed with narcolepsy. It’s not casual. What is casual is how the The Reader feels lately when surrounded by the landlord’s garden. Here, plants are tended to and parts are reduced. It’s about vertical and horizontal. It remains in time: I, II, III, IV, V.

The images and objects that you see here are sculptural and to scale.

The Reader if more spiritual would try to relate all of this to the monk or the nun, the cloister or the abbey. If she had greater command over perspective she might best relate to the architect. If more committed - the librarian. If more interesting - the transcriber. If more dramatic - the mute. What makes the best sense instead is to relate all of this to Weirds and Fates, these Roman walls and those Gnomic Verses.

The task of demarcation is essential. The works are markers, a succession of prompts & signs.

Translation is a concern. There is intonation, a soft matte finish, linen pressed against glass, and this really beautiful daylight. Expressive things in form, inform. And there are these pauses, a scale that is modest, and wood - basically. The context is contemplative and the colors are just off. I believe that the press release has gone for lunch and unfortunately these lunches tend to go long. In truth, ” PR” might not make it back before the end of the workday. But at least it is clear that the photographs here are 11 x 16 inches, glossy, and the colors are totally saturated.

There is an inherent logic or vocabulary within the work of Lisa Williamson, one that traverses, shape-shifts and links together in bizarre and tangential ways. What remains most important to the artist is the formation of a distinct and imperfect language, an ongoing list of subjects that remains partial and malleable, continually cross-referencing and becoming actualized through whatever material makes sense. She is interested in simultaneously working out and then confusing the boundaries that an artist exists and produces within.

All of her works, even those that seem the most formal or reduced, derive from a somewhat literary or text-based framework. One example is the series of “tapestries” made of burlap and painted with coats of acrylic and enamel. These artworks are meant to act a pauses or as ‘palette cleansers’. Totally reduced and often limited to just a few colors and shapes, they function as very base sketches, beginning with the most low and repetitive forms as means for development, a way of pushing forward and almost clearing one's head.

Lisa Williamson currently lives and works in Los Angeles, USA. Recent solo exhibitions include: Alex Olson and Lisa Williamson, Shane Campbell Gallery, Chicago, USA (2010); Whisper Chipper, Small A Projects, New York (2009). Recent group exhibitions have included: Kathryn Andrews, Heather Cook, Leslie Vance and Lisa Williamson, David Kordansky Gallery, Los Angeles, USA (2010); Beyond Process, Renwick Gallery, New York, Usa (2009); Summer Reading, Invisible Exports, New York, USA (2009)

The exhibition will be on view until Saturday, June 19th, 2010.

On May 27, 28, 29 unosolo will be open from 2pm to 8pm

unosolo opening hours:

Tuesday – Friday, 11am – 7pm, Saturday 3pm – 7pm (or by appointment)

For further information:
Tel. +39 06 97613696

Fax +39 06 97613810
unosolo@unosunove.com
www.unosolo-projectroom.blogspot.com

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